Je profite de ce site « la niche du gros loulou » pour jouer les chiennes de garde (en référence au mouvement féministe bien sûr). Deux expos ont retenu mon attention :"Révolte she said !" À Rennes au centre d’art de la criée et "C’est notre histoire au palais de Tokyo "à Paris .Que peut-on encore faire dire à la condition féminine aujourd’hui ? C ‘est bien la question à laquelle ont tenté de s’attaquer Valérie Mréjen et Sarah Lucas avec plus ou moins de succès.

Au palais de Tokyo un homme la quarantaine grisonnant admire  la hauteur des plafonds, à la Criée une petite jeune défile en diesel lunette ray ban histoire d’être bien vu. A paris ou à rennes on retrouve un peu les mêmes disciples de la culture branchée… Dans le premier lieu  sous un casque  j’échappe assez rapidement aux remarques des ces derniers. Une voix monotone mais envoûtante m’entraîne dans l’univers décalé de Valérie Mréjen. Il s’agit d’une version contemporaine de Roman photo, celle-ci filme en plan fixe des pages d’un catalogue Manufrance (catalogue de vente par correspondance disparu dans les années 70). Les séquences s’enchaînent faisant se dérouler pose après pose la journée d’une femme. Tout y est le lever, la toilette, l’attente sur le sofa, le quart d’heure bricolage la minute cuisine. Toute sa journée respire l’ennui, on la confond parfois avec les meubles, pour finir en apothéose à la coktail party en robe de chambre Manufrance. Les couleurs sont vives, les scènes artificielles et les sourires crispés. La voix monocorde de l'artiste vient affirmer le malaise ambiant. Une phrase différente est dictée sur chaque  plan : " j'attends " "c’est très gai" " je profite de la terrasse oui mais si ils appellent et que je n'entends pas"...Le style et simple et efficace  pas de chichis pour cette femme sans histoire. On rit beaucoup devant tant de décalage entre cette femme souriante d'un catalogue, et ces mots qu'on lui prête sans jamais lui appartenir. L'artiste ne fait pas parler la femme mais la détresse de la situation de l'époque. Il n'y a pas qu'une seule femme dans ce roman photo, l'ensemble des mannequins de ce film incarnent la femme d'une époque. Mais ce que j'ai le plus aimé c'est la profonde modernité de ce film. Même si elle parle sur de vieilles images avec des couleurs ringardes l'écriture est très actuelle : incisive et piquante. Valerie Mréjen ne raconte pas une histoire isolée, elle montre du doigt un phénomène plus général qui dépasse l'époque des années 70. Les téléphones portables ont remplacé les téléphones fixes pourtant combien de filles n'ont pas "attendu" qu’il appelle. Ce n'est qu'un exemple mais devant ce roman photo on rit aussi un peu de nous même.

Sarah Lucas utilise une installation pour s'attaquer elle aussi au quotidien féminin. Un cintre est pendu au milieu de la pièce, des oeufs au plat fraîchement cuits ainsi que des collants sont suspendus à ce dernier. Une baignoire à sabot recueille en dessous le jaune de l'oeuf qui dégouline. Représentation directe du corps féminin et évocation de son quotidien. D’après la brochure distribuée a l'entrée Sarah Lucas "joue d'un humour caustique" je trouve ça c'est plutôt vulgaire et facile. Faire cuire des oeufs au plats pour montrer des seins et évoquer le travail domestique c'est vraiment une cuisine de mauvais goût. La satire peut être provocante, violente mais elle est toujours remplit de sens. J'ai eu beau tourné autour de son installation, me creuser la tête à écrire un article, je n'ai toujours pas trouvé de sens profond à son travail.

Ces deux artistes sont des femmes, elles ont travaillé avec peu de moyens, sur des thématiques semblables : l'image de la femme et son quotidien. Elles utilisent  un registre satirique pour mettre en avant un quotidien confiné et désoeuvré. Si Valerie Mrejen nous montre une femme souriante et un peu cruche Sarah Lucas cuit une jolie poitrine en oeufs sur le plat. Malgré toutes ces concordances on dirait bien que cette dernière a mis les pieds dans le plat... Mréjen nous fait rire, réfléchir et nous captive (je n'étais pas la seule assise sur mon fauteuil avec mon gros casque à m'esclaffer.) Sartre écrivait "Dans la littérature engagé, l'engagement ne doit en aucun cas faire oublier la littérature". Lucas provoque gentiment un peu dans le vide.  Mréjen est bien une artiste engagé et pleine d'humour (rappelons qu'elle a une formation de plasticienne mais qu'elle est aujourd'hui surtout connu pour sa littérature).Courez vite au Palais de tokyo il vous reste une semaine (7 mai) pour voir son travail. A Rennes l'expo est terminé, tant pis.

Milou

Proposer une possibilité de contempler le monde, la terre, autrement c’est ce que sont parvenus à faire certains. Le premier, Philippe Ramette à travers ses sculptures et ses photographies. Son travail consiste à défie les lois de la gravitation en nous offrant des visuels ou modules qui nous donne enfin et tout simplement la possibilité de regarder ce que l’on a habituellement sous les yeux mais d’une façon nouvelle, tout bêtement en penchant la tête ou bien en faisant le poirier, mais l’effet est très efficace.  Philippe Ramette se met lui-même en scène dans chacune de ses photographies, il tient tout particulièrement à réaliser ses visuels sans trucage. En effet, pour lui, il  n’y a pas d’intérêt à encrer une photographie d’un corps humain dans un paysage à l’aide de n’importe quel logiciel dans une position défiant la gravitation. Ainsi, il doit donc se plier à de multiples acrobaties ou positions négociant avec la nature, ayant, des fois, nul autre recours que de s’harnacher. En ce sens, je me permettrais d’ajouter quelque chose qui, pour moi, fait tout l’intérêt de son travail. En effet, l’attraction terrestre a évidemment des incidences sur le visage de chacun ; avoir les pieds au sol ou bien « au ciel » ne confère pas les mêmes traits de visage, tout le monde l’aura remarqué. Ainsi, en voulant réaliser les différentes positions lui-même, Philippe Ramette ne fait pas que nous livrer la possibilité de voir le monde sous une nouvelle attraction. Mais puisqu’il n’y a pas de trucage son visage trahit l’autre attraction et en effet on la nomme « l’autre » alors qu’il s’agit tout simplement de la « vraie ». Ce qui est donc intéressant, c’est que son travail, en nous livrant une nouvelle gravité, nous force à faire la démarche de retrouver quelle est la notre ! Si par hasard on ne la retrouve pas, on se retrouve très vite dans l’angoisse de se voir projeté dans le vide, même si son travail n’est pas influencé par une attirance du vide.

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Cette peur d’être basculé, de tomber, on la ressent également en présence de l’artiste, Jean baptiste André, qui, quant à lui, va au delà de l’instant que nous propose le travail de Philippe Ramette  avec la photographie ou la sculpture. Lui, parvient à nous faire oublier la pesanteur grâce à une nouvelle gestuelle. Formé à l’école des Arts du cirque de Chalons en Champagne, de nature très souple (ancien gymnaste), il se spécialise aux équilibres sur bras et à la profession de clown, non pas celle de celui qui porte un nez rouge, mais celle d’un personnage d’une extrême sensibilité, dérouté par son publique et très à l’écoute de ce qui ce passe autour de lui, de l’espace dans lequel il évolue. En effet, pourquoi s’encombrer de la pesanteur ? Jean baptiste André ne la défie même plus ; à le voir, il n’en a jamais eu conscience et s’amuse du fait que, nous autres, nous y soyons soumis. Il possède comme quatre bras ou quatre jambes. Il faut l’entendre dire, alors qu’il se tortille en équilibre sur les bras, regardant le plafond, le menton collé sur le torse regardant le plafond comme s’il regardait le sol : « ce qui est amusant, c’est de repenser son corps, le bassin est au dessus des poumons, les pieds au dessus des genoux… la respiration change beaucoup aussi… ». L’équilibre sur les bras est une discipline qui nécessite une nouvelle conscience de son corps et une nouvelle appréhension de l’espace. Il affirme qu’en basculant son corps, la gravité alors renforcée, lui permet d’atteindre des positions de distorsion impossible avec l’attraction courante, « celle des pieds ». Avec la pratique de l’équilibre sur bras et une attention toute particulière à la qualité de mouvement, Jean baptiste André est parvenu à inventer une nouvelle gestuelle, inédite, caractérisée par des gestes continus, dus au fait que l’équilibre ne soit plus une position à atteindre mais un passage, il se dit lui-même en perpétuel déséquilibre. Il évolue dans un mouvement étrangement et merveilleusement lié sans aucune interruption, une sensation de suspension perpétuelle. Ces temps de suspension sont d’autant plus perceptibles que le rapport au temps semble démultiplié tant l’équilibre sur bras est surprenant. Un jour, il constate qu’il peut comme s’asseoir, en pression avec un bras resté à terre, sur un plan perpendiculaire au sol. Il développe sa technique pour que l’illusion soit parfaite. Il parvient même à se déplacer « debout », pieds au mur, mains au sol. Il arrive alors que, lorsque l’on est en sa présence, on ait la subite impression de se retrouver projeté contre un mur, celui où il est parvenu à transférer la pesanteur.

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 GROMIT

Exposition de Johan Jonas à la galerie Yvon Lambert en mars 2006. Installation basée sur la performance, réalisées à New York en octobre 2005. Réponse à l’essai de l’historien d’art allemand Aby Warburg (voyage dans le sud ouest américain). Musique jazz de Jason Moran réalisée spécialement pour cette œuvre. Nous rentrons dans une pièce lumineuse et spacieuse aux murs blancs, cependant l’espace semble largement investit car chaque face de la pièce présente une installation ou une projection particulière… L’artiste nous plonge directement dans une ambiance sonore en diffusant des airs de blues joués par un piano mélancolique… La simplicité et la clarté de la scénographie résident en une organisation bien définie… Cinq écrans, projections vidéos, nous donnent une vue sur différents types de paysage, comme cinq fenêtres sur l’extérieur (ceci nous renforce dans l’idée de notre enfermement dans un intérieur confiné), mais la fluidité de notre promenade nous projète ainsi en voyage dans l’univers de l’auteur… Le parcours de la visite ne présente pas un trajet indiqué, un choix d’ordre personnel s’impose car on se saisit pas précisément  la nature des vidéos qui sont pour le moins intrigantes et mystérieuses… trois d’entre elles, situées dans la partie inférieure dans laquelle nous entrons d’abord, sont des mises en scène champêtres ou rupestres. Dans l’une, deux femmes grossièrement déguisées avec des tutus roses démontent un enclos pour reconstruire une forme mobile, un assemblage ; dans l’autre l’artiste elle même se met en scène portant les attributs du berger, assise avec un loup à ses pieds et une boule de cristal tandis que des paysages désertiques défilent en second plan ; enfin alors que les lumières des enseignes de Las Vegas  se succèdent en fond d’écran, déguisée  de nouveau en berger elle apparaît avec une tête de loup comme masque dans des positions acrobatiques variées. Répondant à cette dernière mise en scène vidéo, trône sur une caisse de transport ferroviaire comme une sculpture, un loup empaillé !  Sur la gauche après le loup  une autre vidéo à cheval sur le mur et sur un paravent de panneaux blancs, ce qui créé un relief et rapproche l’image du spectateur, un environnement industriel nous est montré grâce à des trains sur une voie ferrée puis des  tours éoliennes et des réseaux de poteaux électriques font ainsi « passer le courant » entre la représentation de la nature qui précède la mutation de l’espace en se modernisant mais aussi en le modifiant visuellement… L’idée de transformation, d’alchimie contemporaine et les notions d’animalité de l’homme mais aussi d’ingénuité d’esprit  devant les choses à créer pour améliorer sa vie et son confort, transparaissent au travers de cette œuvre presque philosophique, sinon inspirée de Hobbes (« l’homme est un loup pour l’homme »). Au fond de la salle notre regard est attiré par un dernier écran qui pourrait figurer la partie narrative de l’œuvre. La projection est cadrée de manière plus large, l’action se situe sur une scène au fond de laquelle est diffusé comme une mise en abyme la même vidéo du berger et du loup  commentée par un acteur en avant scène, allongé sur un divan de psychologue qui parle directement au spectateur comme pour lui expliquer l’image (agrémenté « d’effets spéciaux » de loups découpés qui défilent sur l’écran). Le « narrateur » ressemble et parle comme un personnage shakespearien, un fou lucide qui analyse nos actes et nos pensées avec cynisme et réalisme… devant cet écran des rangées de sièges sont installés comme dans une salle de spectacle ou une conférence. On assiste à l’explication et le commentaire direct de la métaphore de notre vie et des processus d’évolution. Après cette pause , à droite un panneau d’accrochage comporte plusieurs dessins d’enfants agrémentés de reprographies d’œuvres d’art anciennes, photographies de lieux d’expositions et autres ainsi qu’une carte géographique comme s’il s’agissait d’une chasse au trésor...Enfin, trois panneaux  à hauteur du regard, perpendiculaires au mur laisse voir des dessins au trait recto verso de figures informes de lignes aléatoires… Le coté naïf et  maladroit de cette œuvre renvoie à une certaine fragilité assumée par l’artiste et le monde de l’enfance avec ses contes ses rêves et des parcelles de la réalité (géographique, économique, industriel) montre bien le passage dans l’espace temps de l’état du fantasme à la réalisation concrète de l’idée. Johan Jonas, principale protagoniste de l’art des années 60-70, propose un questionnement autour de la performance, puisant  son inspiration dans des chorégraphies américaines comme celle de Lucinda Childs et Yvonne Rainer. Son interprétation nous montre que l’objet est symbole et le geste rituel. Par la variété des nouveaux supports plastiques et des nouvelles attitudes artistiques telles que la performance, la vidéo, la photo et l’installation elle prouve néanmoins un réel intérêt pour la mise en scène théâtrale et l’effet corporel. L’œuvre de Johan Jonas surprend par sa contemporanéité tant formelle que conceptuelle. L’utilisation de la vidéo lui permet ainsi d’exprimer la mutation des formes et le découpage symbolique de l’image, l’espace et le temps. L’idée qui surgit de l’image du berger et du loup questionnant ainsi l’instinct de survie ne serait-elle pas un clin d’œil à l’œuvre de Joseph Beuys ?                          

Bill the Bull